El Monstruo Leñador, asesino de sicópatas

Rainer Tuñón C.

La navegación sin rumbo fijo entre títulos del catálogo de Netflix nos lleva a encontrarnos con inusitadas curiosidades. Apareció un suspenso japonés titulado El Monstruo Leñador, que supone el regreso al cine de terror del gran Takashi Mike, demostrando que se mantiene como un inquietante realizador, sórdido y surrealista.

El filme se basa en la novela "Kaibutsu no Kikori" de Mayusuke Kurai, publicada en 2019, que nos pone en el camino de Akira Nimoyima (Kazuya Kamenashi), un elegante abogado que se salva de ser aniquilado por un asesino en serie que, a punta de hachazos, acaba con sus víctimas para remover sus sesos.

Resulta que Akira es un joven letrado con rasgos sicopáticos, que está siendo investigado por una perfiladora forense que percibe esas características y se adentra tanto en el modus operandi del monstruo leñador como en el frío, pero despiadado hombre de leyes.

Durante el curso de la investigación, la historia va y viene con flashbacks y giros argumentales sobre experimentos científicos ilegales que nos llevan a buscar respuestas a las interrogantes sobre la recolección de cerebros y los objetivos del asesino en serie, mientras el desviado jurista hace sus pesquisas para encontrar a quien intentó quitarle la vida. La clave está en el libro ilustrado "Kaibutsu no Kikor".

Las formas narrativas del terror son un terreno conocido por el director japonés que lleva más de 136 proyectos realizados y ha provocado controversia por algunos de sus trabajos. En el caso de Audición, la crítica especializada la define como una obra maestra del género que “revuelve el estómago” y con Ichi The Killer, que en su tiempo fue prohibida en Noruega, Alemania y Malasia, logró que le editaran 11 minutos para la versión en DVD de Estados Unidos por su extrema violencia gráfica y sexual.

Mike es uno de los más prolíficos directores de terror e híper violencia con cargas sexuales, que inició su carrera en el circuito de producción de películas directo a vídeo (V-Cinema). Aunque ha incursionado en el drama con "Salaryman Kintaro", el cine infantil por el filme Zebraman de 2004 y las epopeyas Trece asesinos y Hara-Kiri: Muerte de un samurái, son sus inquietantes cintas de acción y terror las que lo consolidan como una figura sobresaliente en la filmografía japonesa.

Con El monstruo leñador, Mike no defrauda y ofrece un relato sangriento, con elementos de investigación criminal, pistas y estudio de personalidades entre el asesino, la víctima que busca vengarse y la historia que los conecta.

Arcadio Molinar: La llama viva de los Combos Nacionales

 Rainer Tuñón C.

Cantante, compositor y productor musical. Arcadio Molinar nació el 9 de noviembre de 1950 en la provincia de Colón. Es hijo de Margarito Molinar, granjero y agricultor de ascendencia colombiana, llegó a la ciudad de Colón por los barcos que arribaban a Panamá. Vivió y creció en el poblado colonense de Santa Isabel. Su madre, doña Marciana Amaya de Molinar, fue ama de casa, pilar en la familia Molinar.

Desde niño, siendo el menor de 13 hermanos, Arcadio se interesó por las formas melódicas de los boleros, las baladas y la música de la región costeña. Tuvo una infancia muy difícil, con muchos niños que juntos soñaban con lo mismo desde el lugar donde residían, en medio de la austeridad económica.

Arcadio hizo sus estudios primarios en la escuela República Oriental del Uruguay en Barrio Norte, Colón y su bachillerato en el colegio Abel Bravo de la Costa Atlántica.

A sus 15 años, entonaba melodías y ayudaba a su hermano, Mario Molinar, que se abría camino con una agrupación musical denominada Suit Genery. A su corta edad, Arcadio apoyaba cargando instrumentos y siendo testigo de la incipiente escena musical en Colón.

Con baldes de aluminio, tambores hechos con las cestas de depósito de pintura, la voz de Arcadio se mezclaba con los sonidos del calipso, la balada y los ritmos tropicales y desde sus años en el colegio cantaba, y así, los educadores le ayudaban en lo que podían para que él cada vez más alcanzara su sueño de ser artista. El camino no fue fácil; sin embargo, Arcadio se convirtió en una voz muy respetada en esa generación.

Con mucho esfuerzo, Arcadio Molinar logró participar en el grupo, ayudando a su hermano, a Gustavo Garibaldi y Tomás Garibaldi.

Recuerda el cantante que la vida en Colón, en esos días, transcurría con mucha tranquilidad. De ambiente sano, Colón, incluso para los costeños, era un sitio en donde la gente se encontraba disfrutando de las actividades culturales de la época.

La familia de Arcadio Molinar es numerosa, aunque dispersa por toda la provincia. Se trata de un núcleo de gente educada, luchadora, trabajadora y responsable, ejemplo a seguir por generaciones de entusiastas colonenses. Arcadio veía en la música una posibilidad de seguir adelante, aunque por la naturaleza de esta profesión, en esos años no se le veía al músico con la seriedad del caso. 

Molinar contaba con una especial tonalidad y fortaleza en la voz, así como un adecuado manejo de la respiración y texturas en las formas melódicas al interpretar canciones.  Sus conocidos y familiares comentaban que siempre estaba creando canciones para las mujeres, entendiendo sus gustos, fortalezas, actitudes y formas de expresión.

A finales de los sesenta, Arcadio Molinar llegó a la ciudad de Panamá e hizo sus primeras presentaciones para ser introducido entre los cantantes panameños en el circuito de la música popular de la era. Grabó sus primeras canciones bajo el sello panameño Sally Ruth, cuando formaba parte de Suit Genery.

En aquellos días se inmortalizó el tema que lo ha hecho famoso de por vida: Elisa, escrita en 1967 y producida años más tarde en formato de vinilo.

En la edición del diario Crítica Libre se describe que: “El clásico Elisa fue una composición del profesor Fernando "Nando" Huc Barría. El amor inspiró a este prolífico compositor colonense. Casi saliendo de la adolescencia se enamoró y preparó las letras en honor a una bella chica: Elisa Beltrán, que luego se convirtió en su esposa”.

El diario panameño agrega que: La producción de los “Suit Genery” fue grabada por el sello Sally Ruth de los hermanos Heres y la versión con "Los Mozambiques" fue bajo el sello Tamayo y tuvo como arreglista a Toby Muñoz y a Balito Chang como su ingeniero de sonido”.

Arcadio también formó parte del grupo Strangel, de Colón, dirigidos por Luis “Lucho” Salazar y luego, de la mano de su amigo Oscar “Chin” De León y Humberto Góndola, almas creativas detrás de la afamada agrupación Los Mozambiques, se estaba formalizando la corriente musical que se tomaría por completo las listas de popularidad en las radioemisoras y fiestas en todo el país.

Otros conocedores de la música en Panamá, se dieron cuenta de la voz y tonalidad de Arcadio Molinar. Mencionan, por ejemplo, el caso de Joe Clarke, un asiduo seguidor de la música desde Colón, así como Ramón McLaren o Lorenzo Campbell, que se reunían en sitios culturales como el salón Rancho Grande, de Río Abajo para unificar criterios en lo que conocería como la Música de Combos Nacionales, que inició como movimiento en la provincia colonense y luego en Panamá desde Río Abajo y Pueblo Nuevo, hasta llegar a Puerto Armuelles, Chiriquí y Bocas del Toro.

Los Mozambiques lograron posicionarse como un colectivo emergente. Su participación en la alineación se dio hasta el año 1976, cuando el movimiento musical estaba decayendo.

En ese contexto histórico, la influencia del maestro Rodrigo Escobar Tamayo fue fundamental para cimentar la carrera musical de Molinar.

Cuando Rodrigo Escobar Tamayo, genio detrás del sello Tamayo Récords, llegó al escenario musical, la relación personal y profesional fue instantánea. El señor Escobar Tamayo siempre lo consintió y se sentía seguro del talento del intérprete.

La música de los Combos Nacionales se tocaba en actividades bailables escolares denominadas saraos, y junto a Los Mozambiques, participaban otros grandes exponentes del ritmo como el Combo impacto, Los Exciters y los Fabulosos Festival.

Así, la meca creativa en la música de los Combos Nacionales tuvo una historia iniciada desde los barrios de Pueblo Nuevo y Río Abajo en la ciudad de Panamá desde los afamados “Night a Fun”. Arcadio Molinar era un nombre conocido, con fama y mucho trabajo, aunque personalmente nunca llegó a pensar que su música trascendería y sería conocida fuera del país.

Señala el autor Roberto Gyemant, en su blog djnunradio.net, que: “Los Mozambiques de Oscar de León continuaron teniendo éxito a finales de los 70 y principios de los 80 con los cantantes Beny Romero y Arcadio Molinar donde puso de moda El potpurrí de Los Mozambiques, de siete canciones, que iniciaba con el recordado tema Elisa.

En paralelo, Arcadio Molinar tuvo trabajos fuera del ámbito musical. Para las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos acantonadas en Panamá, fue conductor de equipo rodante repartiendo comida a los lugares en donde estaban los soldados estadounidenses. En esos días, cantaba por todas partes y los estadounidenses le tenían mucho cariño, comentaban amigos y conocidos.

Luego de terminar con esa gestión, en el año 2011 inició labores en la terminal portuaria de Manzanillo, manejando equipo pesado. Incluso en su etapa como trabajador, Arcadio siempre se mantuvo cantando en cualquier escenario donde se le invitara.

Arcadio Molinar cantó en importantes bodas, fiestas, conciertos, homenajes, reuniones sociales, cuando requerían de su voz en calidad de solista o armando combos y/o agrupaciones a nivel nacional.

El artista es fanático del género baladas y desde que se inició como cantante, compone y canta la música costeña colonense, una tonalidad de ritmos interpretados con guitarras, que se hace sentir como una expresión de la música de la costa norteña como la vida misma desde de nuestras raíces, donde sus cantantes narran el diario vivir, la dureza de la vida, temas de sus amores y el sentimiento humano, y en algunos casos, adornan las melodías con trompetas, flautas y sonidos de percusión. Estas canciones se escuchan internamente en poblados como Santa Isabel, Cuango, Nombre de Dios, Palenque, Viento Frío o María Chiquita.

Como todo gran artista, encontró en Xiomara “Xiomi” Montero, su compañera de vida y de labores gerenciales y administrativas en la música, con quien comparte sus días. Arcadio tiene cuatro hijos, nietos y bisnietos.

En el año 2019, el Gobierno de Panamá, a través del Ministerio de Cultura, le otorgó un reconocimiento por sus valiosos aportes a la cultura panameña en el marco de una gala ofrecida por el presidente de la República, Laurentino Cortizo Cohen, a los periodistas de Panamá.

Asimismo, ese mismo año, celebrando sus 50 años de trayectoria musical, la Asamblea de Diputados, en el marco del Día del Autor y Compositor Panameño, tuvo el privilegio de compartir y homenajearlo reconociendo su estatus como uno de los cantantes de Combos Nacionales más famosos de todos los tiempos por su trayectoria y talento.

Recientemente, el 16 de septiembre de 2023, ante un lleno completo en el salón Las Islas del Centro de Convenciones ATLAPA, en la ciudad de Panamá, miles de panameños corearon junto con Arcadio Molinar y un combinado de estrellas panameñas titulado “Combos Nacionales All Stars”, los éxitos que pusieron a bailar a las generaciones de panameños en los años sesenta y setenta.

En la actualidad, Arcadio Molinar se mantiene activo en el ámbito musical y ayuda a los artistas para continuar con el legado musical que enamoró a un país. Arcadio Molinar ha estado en escenarios nacionales e internacionales desde hace más de cincuenta años. Siempre ha luchado por mantener viva la llama de los Combos Nacionales.

Brutalidad policial en el cine

Rainer Tuñón

Durante una gira de conciertos del co fundador de Pink Floyd, Roger Waters (The Wall), se proyectaba una animación que simulaba el metro de Londres. De pronto, 10 detonaciones se escuchaban con luces que iluminaban uno de los vagones, iniciando así la interpretación del tema La Balada de Jean Charles de Menezes, pieza musical basada en el asesinato del electricista brasileño que se dio en la estación del metro de Stockwell en el 2005, al ser confundido con un terrorista.

En Nigeria, las protestas por la muerte de Tina Ezekwe, una menor de 16 años, por agentes de policía provocó la ira de grupos civiles y celebridades que llevaron a la detención de dos policías, en medio de la percepción existente sobre la policía en esa región.

Hace poco, en Japón se dieron protestas contra la violencia policial en Tokio, pues un grupo de quejosos rodeó un recinto policial para cuestionar la violencia contra los extranjeros que visitan Tokio.

Para muchos, no es sorpresa que en Filipinas, bajo las órdenes del presidente Rodrigo Duterte, a las fuerzas policiales se les perciba con el mayor incremento de casos de agresiones policiales en contra de civiles de quienes se sospecha que anden en malos pasos, y según World Population Review, de acuerdo con los últimos datos oficiales disponibles para 61 países, Brasil y Venezuela son países en donde la tasa de violencia policial per cápita ha ido en aumento.

Todo nos lleva a inferir que la brutalidad policiaca no es un tema exclusivo de los Estados Unidos, aunque históricamente haya tenido la mayor resonancia social a través de la la lucha por el respeto a los derechos civiles en ese país, específicamente en la población afro estadounidense, y eso globalmente nos duele.

De hecho, no se discute que la brutalidad es una mala conducta policial, bien enraizada, y ella ha podido más que las diferentes sensibilidades positivas de los agentes del orden público o sus intentos de fomentar cambios culturales que muestren una mejor imagen institucional en quienes pregonan ser una fuerza comunitaria lista para “proteger y servir”.

Prejuicios raciales, religiosos y de sexualidad, ignorancia cultural, intimidación, desviada orientación política, racismo, poder abuso de vigilancia en la comunidad, abuso sexual y corrupción son algunas de las fallas que más denuncian cuando se trata de acciones policiales que los llevan a cometer actos cuestionables violentos y criminales.

Y, además, ¿qué se cuestiona? Que algunos agentes han heredado conductas malsanas desde sus respectivas academias observando los peores ejemplos de generaciones de “maestros” que no han desarrollado las mejores prácticas técnicas y profesionales en la institución. Los estamentos de seguridad son nobles por naturaleza, sin embargo, las manzanas podridas siempre hacen daño a la institución.

El ejemplo reciente más doloroso: la muerte de George Floyd, como resultado de su arresto por parte de cuatro policías en Minneapolis, en medio de la pandemia del Covid-19, que ha desatado un rechazo mundial no visto en los últimos 60 años.

Muchas de estas historias sobre brutalidad policiaca, históricamente las hemos visto desde el cine, que se mantiene vigente como un reflexivo medio de comunicación que eleva la voz de protesta, crítica y denuncia frente a estas dolorosas problemáticas sociales.

El cine social agrupa una serie importante de obras que, en formato documental o ficción, se alimentan de los hechos noticiosos para incidir en la crítica y los cuestionamientos que buscan generar cambios y transformaciones desde lo audiovisual, reafirmando el sentido de justicia y el compromiso social de sus creadores.

Sin hacer el típico recuento de las películas basadas en esta temática, podemos acercarnos a una serie de títulos que nos llevan inmediatamente a reflexionar sobre la violencia, los crímenes de odio y la brutalidad policial

Cuando salió Matar a un Ruiseñor, la versión de cine sobre la novela de Harper Lee que relataba las desigualdades raciales, se convirtió en un clásico instantáneo por la extraordinaria actuación de Gregory Peck como el abogado Atticus Finch, que luego de perder el juicio en contra de su defendido, Tom Robinson (acusado de violación de una niña blanca), hizo que los espectadores (del mismo color del acusado), se levantaran para mostrar respeto y aprecio por este gran paladín de la justicia.

En 1967, Norman Jewison presentó el relato de Virgil Tibbs, un policía de filadelfia (interpretado por Sidney Poitier) que se traslada a Misisipi y es arrestado supuestamente por asesinar a un hombre blanco adinerado. La película se llama Al Calor de la Noche y fue un evento cinematográfico que abrió los ojos de muchas cinéfilos en el mundo, por tratar de una manera honesta esos temas considerados como tabú.

Más polémica aún se dio en 1982 cuando el veterano realizador Samuel Fuller provocó reacciones y polémica al presentar Perro Blanco, la historia de una actriz que se hace cargo de un perro adiestrado para atacar y asesinar, por entrenamiento racista, a personas de raza negra. Dicha parábola sobre el condicionamiento aversivo, que incluso Roman Polanski casi dirige y provocó que el filme fuera sacado de cartelera a pocas semanas de estreno, en la actualidad sigue como una pieza de estudio por la calidad del mensaje anti racista.

Pero, si nos remontamos a las últimas escenas de Haz lo correcto de Spike Lee (1989), y todo el revuelo que causó este clásico del cine, se supo que en este director afro estadounidense siempre habría un gran defensor de los derechos civiles en los Estados Unidos, cuyo mensaje cada vez más calaba en una audiencia importante gracias a trabajos como Jungle Fever, Get On The Bus, Malcom X, Bamboozled, Crooklyn e Infiltrado en el KKKlan.

El difunto John Singleton, que se dio a conocer por Boyz n the Hood, iba por encima de los estereotipos y mostró la historia de tres amigos y sus perspectivas de vida, violencia y la relación con la autoridad desde distintas perspectivas; no obstante, con Duro aprendizaje, drama racial de 1995 y dos años más tarde, al dirigir Rosewood, la recreación histórica sobre un linchamiento ocurrido en 1923 en Florida, se consagró como una de las grandes voces de protesta en el cine estadounidense.

La realidad de muchos ciudadanos y su relación con los policías se ha visto muy de cerca también en el cine francés.

El Odio, de Mathieu Kassovitz, aunque algo predecible en su narrativa, nos lleva a un conflicto con la policía y un trío de amigos: un judío, un árabe inmigrante y un boxeador negro que atestiguan un incidente violento y con ello se desata una serie de eventos que nos permiten analizar en blanco y negro lo absurdo de la cotidianidad en las calles de cualquier ciudad llena de odios; sin embargo, Ladj Ly gracias a su debut Los Miserables, nos traslada a la complejidad de las violaciones policiales en los vecindarios populares que nos acercan más a la realidad que estamos viviendo en estos días.

Los Misrables (Francia, 2019)

Brutalidad policial en el cine

Día de entrenamiento (2001)

El sargento Alonzo Harris es un agente de narcóticos con 13 años de experiencia cuyos discutibles métodos se baten entre legalidad y la corrupción total. Un joven policía, recién asignado a narcóticos, comienza sus rondas a las órdenes de Alonzo para aprender de él, pero se da cuenta de lo inevitable.

Detroit (2017)

Graves disturbios raciales sacudieron la ciudad de Detroit, en el estado de Michigan en 1967. Todo comenzó con una redada de la policía en un bar nocturno sin licencia, que acabó convirtiéndose en una de las revueltas civiles más violentas de los Estados Unidos. Los incidentes más graves ocurrieron en el motel Algiers, dando como resultado violencia y muerte.

El odio que das (2018)

Starr es testigo de la muerte de su amigo de la infancia, Khalil, a manos de un oficial de policía. Ante las presiones de la comunidad, Starr deberá encontrar su voz y defender lo que cree que es correcto.

I am not your negro (2017)

El escritor James Baldwin cuenta la historia del movimiento afrocamericano en la América moderna. Con la narración de Samuel L. Jackson, esta película rescata las furiosas palabras del autor.

Estación Fruitvale (2013)

Narra el último día en la vida de Oscar Grant (Michael B. Jordan), un joven de 22 años que, tras verse envuelto en una pelea durante la Nochevieja del año 2008, es detenido por varios policías. La cinta nos traslada a los momentos antes de que le disparó mortalmente un policía del sistema de transporte público de alta velocidad en la estación Fruitvale.

Letras Explícitas (2015)
Este gran "bioepic" comienza en Compton, en 1987, cuando Easy-E, Ice Cube y Dr. Dre se asocian para revolucionar al mercado muscal con letras ealistas sobre las vivencias en los barrios más desfavorecidos. El filme muestra a las fuerzas de policía aprovechándose de su poder para abusar de la población negra y latina, y las letras de NWA nos llevan al clásico "Fuck the Police", en medio del contexto político estadounidense entre finales de los ochenta y la década siguiente.

Cine hacia la “nueva normalidad”

Rainer Tuñón C.

La nueva normalidad en el cine sería "toda una experiencia cinematográfica... de película.” Las reglas del juego post Covid insisten en un interesante protocolo que apunta a una disminución sustancial de butacas por el tema del distanciamiento, con el fomento de entradas en línea - práctica que algunas salas del país venían realizando con éxito para evitar aglomeraciones y largas filas en la taquilla -, así como mejoras en la calidad del servicio en lo que se denomina “candy” o la compra de millos, sodas y “snacks”.

Pareciera que las relaciones familiares y de pareja tomarán cierta distancia para evitar focos de contagio, no se verán interminables filas y de existir, tendrán dos metros de distancia antes de comprar las respectivas entradas… ¿Y la cartelera?

Si el mayor porcentaje de oferta cinematográfica proviene de Estados Unidos, la película ungida vendría nada más y nada menos de la mano del realizador más arriesgado de los últimos años, Christopher Nolan.

El 17 de julio próximo, Nolan tiene previsto estrenar Tenet, cinta de acción y espionaje internacional que mezcla viajes en el tiempo y las aventuras de un agente secreto que debe prevenir la Tercera Guerra Mundial, en los que algunos consideran una secuela o heredera de “El Origen”.

En una entrevista concedida al Washington Post, el director de la trilogía de Batman, "Memento", "Dunkerke" e "Interestelar" comentaba que, si bien es cierto, existen momentos en la vida mucho más importantes que ir al cine, “en tiempos inciertos, no hay nada más tranquilizador que pensar que estamos en esto juntos, algo que la experiencia cinematográfica ha estado reforzando por generaciones”.

Sin embargo, el panorama de la industria refleja incertidumbres y convirtió en realidad una fantasía casera el estreno de títulos que irían a la cartelera de cine de no haberse dado la pandemia.

De esta manera, por unos 20 dólares, la sala de los hogares en el mundo, a través de plataformas “streaming” lograron impulsar a la secuela de la animación computarizada "Trolls" en un perfecto inicio de la nueva práctica de uso de la sala de cine al hogar para estrenos de alto perfil de Hollywood, logrando una recaudación superior a los 100 millones de dólares.

Pero veamos este indicador, que parece razonablemente certero en el formato que se vendió, y al éxito le seguirán, por ejemplo, una película sobre "Scooby Doo", lo nuevo del director de comedias Judd Apatow, "El rey de Staten Island" y el último proyecto infantil del aclamado dramaturgo Kenneth Branagh, con el filme "Artemis Fowl", que tenía estreno previsto para el año pasado y se corrió para este año, con tan mala suerte de Covid-19, que encima pasó directo a Disney+.

Esta tendencia de estrenos de cine en el formato casero, le permitiría a los productores de películas “directo a vídeo” fortalecer el catálogo y proponer nuevas experiencias que compitan a Netflix, que sigue dominando las preferencias de streaming, pero seamos claros, el catálogo, por muchos títulos que contenga, no es tan pegajoso como el de una propuesta que concite lo mejor del cine B y algunos estrenos que los grandes estudios tienen fuertes corazonadas de que no pegarán tanto en la gran pantalla y tienen el espacio asegurado con este cine de la lista A en la comodidad del hogar.

Ahora, Nolan tiene un punto en su argumentación de rescate de las salas de cine, al apuntar que “la combinación de la demanda confinada y la promesa de nuevas películas podría estimular economías locales y contribuir con billones a nuestra economía”, refiriéndose a la realidad norteamericana, en la entrevista que contestó al Post.

Pareciera que Tenet cuenta con una gran ventaja. Si el estreno de Mulán, No Time to Die, Rápidos y Furiosos 9, Viuda Negra entre otras grandes películas denominadas “blockbusters”, pasa para fechas alejadas del inicio de la nueva normalidad, sería el claro campeón mundial de la taquilla por mucho tiempo, considerando que su cine es impecable, aun teniendo como competidor una nueva película de la serie de La Purga titulada ‘The Forever Purge’, aunque esta franquicia, popular entre su fanaticada, nunca ha sido un taquillazo.

Así que la experiencia de ir al cine tendría su área de mejora si se incrementara la promoción y fomento de la venta de boletos online; la colocación de indicadores de distancia en el suelo (claro, así aprovechan también para hacer publicidad de la sala y nuevos estrenos con eso de que miramos hacia el piso); difusión de medidas de higiene con cartelería informativa tanto en las salas de cine como en los espacios de promoción vía web, cambios en los horarios (con horas programadas) para flexibilizar el acceso a las salas, conociendo que habrá 50% o menos público en cada función, muchos dispensadores de gel hidroalcoholizado y un control estricto pero amigable y orientado a las mejores prácticas de servicio al cliente para que no se sientan maltratados y de paso se regresen al hogar para ver cine en casa.

Curiosamente, así como en 1960 "Psicosis" de Alfred Hitchcock provocó cambios en la tradición de los horarios en las salas de cine en donde gracias al vilo y suspenso que provocó su película, el público ya no quería llegar tarde para no perderse la mejor escena, ahora Tenet fijaría un nuevo paradigma en la experiencia del cine post pandemia.

Lo que queda es volver al futuro visto en el pasado televisivo de Los Jetson, pedir más al estilo VIP en una salsa muy cómoda y amplia porque se dice que cinéfilo no superará el tercio del total, seguir con un control estricto de normas de higiene para disfrutar de una película, pero el cine seguirá brindando la gran experiencia de entretenimiento mundial para todos.

¿Y nuestro cine?

Sheila González, Directora Nacional de Cine del Ministerio de Cultura, explicaba que la crisis sanitaria producida por la expansión del Covid-19 ha provocado severas consecuencias que van más allá de la salud, dada la suspensión de las actividades colectivas que afectaron fuertemente todas las actividades culturales y escénicas, incluidas el cine.

En este contexto, los productores y directores de cine se han mantenido solidarios presentando propuestas para acercar sus producciones a través de dispositivos online y plataformas streaming, mientras duren las medidas sanitarias implementadas, entre ellas la plataforma MiCultura en Casa, en donde han presentado sus trabajos en ficción y documental.

También, la plataforma cinebunker.com ha recopilado con el apoyo de directores y productores panameños una variedad de producciones panameñas y ya están disponibles vía streaming de forma gratuita, para que puedan los puedan ver desde la comodidad de los hogares. El servicio brinda por ahora 97 títulos entre películas, documentales, cortometrajes que estarán disponibles hasta 23 de mayo.

Asimismo, el sitio materiaextra.com publicó una guía de películas panameñas disponibles en las diversas plataformas de streaming locales e internacionales como Medcom Go, TVN Pass, Netflix.

Solo tienen que acceder al link publicado y los direcciona a las distintas plataformas donde se están exhibiendo las películas. Igualmente, todas las noches está realizando transmisiones de entrevistas en vivo desde Instagram @materialextra, con la finalidad de que puedan conocer más sobre la industria cinematográfica y todas las personas que están detrás de ella.

Otra iniciativa llamada “El Reto Micro Cine Online”, organizada por el Colectivo Cine Animal (micro.cineanimal.com), abrió una convocatoria invitando artistas emergentes a realizar cortometrajes de hasta 5 minutos, hechos únicamente con material de archivo. Además, desde el sitio puedes mirar más de 50 cortometrajes panameños realizados en las ediciones anteriores del reto.  

Así como ellos, muchos otros cineastas panameños han liberado sus creaciones de forma gratuita y manifestaron su disposición a apoyar al gobierno nacional en materia de producción de comunicación especial que se pueda dar durante el manejo de esta crisis.

Cine y familia en el seno del hogar

Rainer Tuñón C.
 

La familia unida y la casa pasaron a ser la nueva tendencia. El agobiante día a día, la falta de calor de hogar y la poca cercanía familiar son cosas del pasado. La pandémica situación ha puesto nuevos paradigmas en nuestra forma de vida, y ahora es cuando debemos cuidar esa unión y núcleo en nuestros nichos, pues estamos las 24 horas del día en casa. 
Como padres y madres, podemos transmitir más tranquilidad a quienes se encuentran a nuestro lado, especialmente a los hijos, y los hábitos lúdicos del pasado son nuestro presente.
El entretenimiento en el hogar, a través de las plataformas existentes, llámese televisión, computadoras o teléfonos, nos lleva a un estilo de vida que sólo veíamos en películas de ciencia ficción y, en algunos casos, esperábamos con ansias que eso ocurriera. Ahora que es nuestro día a día, corremos a las farmacias o supermercados a recoger juegos de mesa para encontrar nuevas formas de entretener a las nuevas generaciones que prefieren voltearse a un lado para consumir lo que las redes sociales determinen como lo más “cool”.
El cine en el hogar está pasando a ser una apuesta de valor considerable, sin embargo, por las cargas de estrés, a propósito del Covid-19, se nos plantean ciertos contenidos que, en familia, deben ser puestos al escrutinio de todos.
No toda la programación matutina es para el hijo menor; no necesariamente todo es teletrabajo, ni toda la programación nocturna es para los papás, así como tampoco la mayor parte del día es para pegarse al teléfono - si eres adolescente -, pero lo que sí es cierto es que la gran pantalla pasó al formato casero por esta temporada y mejor si se recomiendan títulos que ayuden a pasar momentos agradables, al calor del hogar.
Revisando sitios de cine, de los que abundan ahora, me llamó la atención un volumen nada despreciable de películas sobre familias. Entre tantos géneros, podríamos revisar algunos por épocas que bien pueden encontrarse desde el Chromecast, Roku, Youtube, VoD, televisión abierta, Televisión por cable, plataformas de streaming y páginas de diversos contenidos.
Si de clásicos se trata, y esta parte es difícil debido a que pareciera que lo "blanco y negro", más si tiene 60 o 70 años de haber sido producido, es como un tabú de sala. Películas como It’s a Wonderful Life, El mago de Oz, Casa Blanca o Milagro en la Calle 34 parecieran ser innombrables, a no ser que tengamos la capacidad de poner en contexto la historia, el momento histórico y el recuerdo de que alguna generación disfrutó de esto tanto como Frozen 2 o Toy Story 4.
Luego, vienen las recomendaciones de nuestros abuelos que disfrutaron de Mary Poppins, La Novicia Rebelde, West Side Story (que vendrá con una nueva versión dirigida por Steven Spielberg), Willy Wonka y la fábrica de chocolates, entre tantas más.
También existen aquellas películas de grata recordación de los padres y que los hijos ven como referentes de series de Netflix, Amazon Prime o vídeos de Tik Tok. Ese es un terreno fértil para reencontrarnos con clásicos como E.T., Annie, The land before time, Los Goonies, Matilda, Querida, encogí a los niños, Volver al Futuro, Cuenta conmigo, ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, Gremlins, Los Muppets, Mi Pobre Angelito, Jumanji, Flubber, Un detective en el kínder, K-9, y seguiremos mencionando títulos.
Pero si de películas que tienen como argumento central a la familia, siempre existen ejemplos en comedias ligeras o cine que elige la crítica mordaz y la ironía en las formas disfuncionales en la estructura del hogar, entre ellos, Los Excéntricos Tenenbaum, con Wes Anderson dirigiendo un elenco de lujo que lideraba Gene Hackman como el patriarca de una muy disfuncional familia que, en su intento de unirlos, fingiendo un caso terminal de cáncer, logra en cierta medida que entendamos que las familias no son perfectas, así como las “imperfecciones” nos hacen mejores miembros de nuestras respectivas familias por construir; la versión de Barry Sonnenfeld de Los Locos Addams, con Raúl Julia y Angelica Huston, que siendo gótica y a veces macabra, tiene un inmenso amor que ofrecer a cada miembro de esta alocada familia. Aunque confieso ser fanático de la teleserie en blanco y negro, la última versión animada me resultó un convincente ejercicio de cine que se puede trasladar a una nueva generación o aquella familia de súper héroes de Los Increíbles, que llevan un estilo de vida alejados de las hazañas que los caracterizó y eso provoca en el señor Parr, el patriarca, un sentimiento de nostalgia que logra volcarlo a una misión secreta que al final provoca que todos los miembros usen sus poderes para salvar a la humanidad.
Aunque parezca un clisé, la familia por excelencia en el cine sigue siendo la Corleone, a propósito de su saga El Padrino, por décadas, ellos han sido fuente de experiencias para todas las generaciones e inspiración para los productos cinematográficos que hacen referencia de ella, muy seguida por la familia Skywalker, de  Star Wars, por sus nueve entregas llenas de sentimientos encontrados entre padres, hijos, hermanos, en fin, lo que gire en torno del villano por excelencia: Darth Vader.
Podemos hacer una enorme lista de películas sobre familias que bien pudieran revisarse en el seno del hogar entendiendo que el cine, como un poderoso vehículo de entretenimiento, facilita espacios para la unión familiar, si todos nos ponemos de acuerdo en disfrutar, analizar y apreciar los trabajos más enriquecedores para nuestras vidas.

5 Películas sobre familias

La joya de la familia (2005)Sybil (Diane Keaton) es la matriarca de la anticonvencional familia Stone. Ni a ella ni a su familia les entusiasma la visita de Meredith Morton (Parker), la novia del hijo mayor, una mujer moderna que vive y trabaja en Nueva York. Tras una primera y dura prueba, Meredith pide ayuda a su hermana pequeña (Danes), que entra en casa de los Stone con mucha más facilidad y desenvoltura que Meredith. Everett Stone (Mulroney) es un ejecutivo de éxito con mucho encanto y atractivo. Ben Stone (Wilson), el más independiente e impredecible de los Stone, es montador de cine en la Costa Oeste. Amy Stone (Mcadams), la hija pequeña, es la más apasionada de la familia.

Los chicos están bien (2010)
Nic (Annette Benning) y Jules (Julianne Moore) son una pareja de lesbianas que viven con sus dos hijos adolescentes: Joni (Mia Wasikowska) y Laser (Josh Hutcherson), ambos fruto de la inseminación artificial. Lo que obsesiona a los dos chicos es conocer a su padre biológico, un tal Paul (Mark Ruffalo), que donó su semen a una clínica cuando era joven. Recién cumplidos los 18 años, Joni se acoge al derecho de solicitar información sobre su padre y decide llamarle.

Meet the Parents (2000)
Greg Focker (Ben Stiller) es un enfermero algo patoso que, tras anunciar su compromiso con su novia Pam (Teri Polo), tiene que pasar unos días con los padres de ella, para conocerlos. Su encuentro inicial no será muy afortunado, en especial por las suspicacias que Greg levanta en el estricto padre de la novia (Robert de Niro), un padre protector que ha trabajado para la CIA, aunque ahora está ya retirado, y al que es muy difícil impresionar. Desde el principio, Jim rechaza por completo a Greg, pero a medida que lo conoce mejor, su rechazo se convierte en absoluto desprecio, y se encarga de convertirse en la peor pesadilla de este hombre que, a pesar de amar a su novia y querer dar una buena primera impresión, cada vez se hunde más en el lodo de su propia ineptitud, y deberá luchar mucho para poder cambiar la pésima opinión que tienen de él los padres de su novia.

Mi villano favorito (2010)
Gru (voz de Steve Carell) es un hombre deplorable que planea el acto criminal más increíble de la Historia: robar la Luna. Incitado por una madre malvada (voz de Julie Andrews), sólo encontrará un obstáculo en su camino: tres niñas huérfanas a las que tendá que cuidar temporalmente.

Mrs. Doubtfire (2003)
Daniel Hillard es padre y esposo. Sus hijos lo consideran un padre maravilloso, pero su mujer está cansada de que se comporte como si también él fuera un niño. Tras un accidentado divorcio, aunque lucha con todas sus fuerzas para conseguir la custodia de los niños, el juez no se la concede. Decide entonces hacerse pasar por una señora mayor para poder ser, al menos, la canguro de sus hijos.
Fuente de reseñas: Filmaffinity.com